Há momentos no cinema em que a narrativa nos envolve de tal forma que perdemos a noção do tempo. A sensação de estar “dentro” do filme, acompanhando cada suspiro, cada passo e cada batida do coração dos personagens em tempo real, é uma das experiências mais imersivas que a sétima arte pode proporcionar. Quando essa imersão é conduzida por uma câmera que parece nunca piscar, que flutua pelos cenários como um fantasma onipresente, estamos diante da arte do plano-sequência. Mais do que uma mera escolha estilística, filmar (ou editar) um longa-metragem para que ele pareça uma única tomada contínua é um exercício de equilíbrio quase suicida, uma dança coreografada com precisão milimétrica que envolve atores, cenários, iluminação e uma equipe técnica inteira em perfeita sincronia.
Não se trata apenas de um truque visual. O plano-sequência, quando bem executado, é uma ferramenta narrativa poderosa. Ele nos coloca lado a lado com os personagens, eliminando a distância segura dos cortes e da montagem tradicional. A angústia é mais palpável, a tensão se torna quase insuportável e a euforia é genuinamente contagiante. De obras-primas consagradas a experimentos ousados, alguns filmes levaram essa técnica ao limite, criando verdadeiros espetáculos de virtuosismo técnico e artístico. Prepare-se para mergulhar em uma lista que celebra a proeza de 10 filmes que brincaram com a nossa percepção e nos fizeram questionar: “Mas como eles fizeram isso?”.
1. Festim Diabólico (1948)
Diretor(a): Alfred Hitchcock
Dois jovens intelectuais, Brandon e Phillip, assassinam um colega de faculdade apenas para provar sua suposta superioridade intelectual. Para esconder o corpo, eles o colocam dentro de um baú que, ironicamente, serve como mesa de apoio para um jantar oferecido pelos próprios assassinos aos parentes das vítimas (o pai e a noiva do morto) e ao seu antigo professor, que desconfia do crime.
Destaque: Antes de 1917 ou Birdman, houve Festim Diabólico. Hitchcock, o mestre do suspense, foi o pioneiro em levar a ideia do tempo real ao limite. Limitado pela tecnologia da época (as bobinas de filme duravam cerca de 10 minutos), ele criou a ilusão de uma única tomada com planos de até 10 minutos habilmente costurados. O truque? Esconder os cortes nas costas de um personagem, em uma parede escura ou em um close-up de um objeto, como uma verdadeira mágica cinematográfica que lançou as bases para tudo o que viria depois.
Nota IMDb: 8.0/10
2. Arca Russa (2002)
Diretor(a): Alexander Sokurov
Um narrador invisível vagueia pelo Museu do Hermitage, em São Petersburgo, encontrando-se com figuras fantasmagóricas de diferentes épocas da história russa. O filme é uma viagem onírica por mais de 200 anos de arte, política e cultura, desde os tempos de Pedro, o Grande, até os dias atuais.
Destaque: Se 1917 cria a ilusão de uma tomada só, Arca Russa é o verdadeiro Santo Graal. Esta é a primeira e única vez que um longa-metragem foi genuinamente filmado em um único plano-sequência, sem qualquer corte escondido. Foram 96 minutos de filmagem ininterrupta com uma câmera digital de alta definição, coreografando 2.000 atores e três orquestras ao vivo por 33 salões do museu. O diretor de fotografia, Tilman Büttner, teve apenas uma chance (ou duas, tecnicamente) para acertar. Quando a câmera finalmente desce e a porta se fecha, a sensação é de ter testemunhado algo irrepetível.
Nota IMDb: 7.4/10
3. Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância) (2014)
Diretor(a): Alejandro G. Iñárritu
Riggan Thomson (Michael Keaton) é um ator em decadência, famoso por ter interpretado um super-herói no passado. Em uma tentativa desesperada de retomar a relevância, ele decide escrever, dirigir e estrelar uma peça na Broadway, baseada em um conto de Raymond Carver. Nos bastidores, ele lida com o ego inflado de seu colega de elenco (Edward Norton), a relação complicada com a filha (Emma Stone) e a voz do “Birdman” dentro de sua cabeça.
Destaque: Vencedor do Oscar de Melhor Filme, Birdman é um turbilhão de energia. A câmera de Iñárritu e do fotógrafo Emmanuel Lubezki não apenas segue os personagens, mas dança com eles pelos corredores apertados, camarins e palcos do teatro St. James. A “falsa” continuidade do plano-sequência captura o caos e a ansiedade do making-of da peça com uma intimidade sufocante. O espectador se sente um dos atores, correndo de um lado para o outro, sentindo a pressão de uma apresentação ao vivo, onde qualquer erro pode ser o fim.
Nota IMDb: 7.7/10
4. 1917 (2019)
Diretor(a): Sam Mendes
Em meio aos horrores da Primeira Guerra Mundial, dois jovens soldados britânicos, Schofield (George MacKay) e Blake (Dean-Charles Chapman), recebem uma missão de vida ou morte: atravessar o território inimigo para entregar uma mensagem que pode salvar 1.600 soldados britânicos de uma emboscada, incluindo o irmão de Blake.
Destaque: 1917 é a epítome moderna da técnica. Guiado pela fotografia magistral de Roger Deakins (que finalmente ganhou seu Oscar), o filme nos coloca na lama das trincheiras e nos faz correr pelos campos abertos sob o fogo inimigo. A sensação de “tempo real” é tão poderosa que a exaustão de Schofield se torna nossa. A magia acontece nos cortes invisíveis, muitos deles feitos quando a câmera passa por uma parede ou durante um breve momento de escuridão ao entrar em um abrigo. Sam Mendes revelou que o maior desafio foi a coreografia: “É como uma grande dança”, onde tudo — atores, câmera, luz natural — precisava estar perfeito em tomadas que duravam até oito minutos.
Nota IMDb: 8.2/10
5. Filhos da Esperança (2006)
Diretor(a): Alfonso Cuarón
Em um futuro distópico onde as mulheres se tornaram inférteis e a humanidade está à beira da extinção, o ativista Theo (Clive Owen) é incumbido de proteger a única mulher grávida do planeta. Juntos, eles precisam atravessar uma Inglaterra em ruínas e tomada pelo caos para levar a esperança da humanidade a um local seguro.
Destaque: Mais do que o filme inteiro, Filhos da Esperança é lembrado por duas cenas antológicas em plano-sequência. A mais famosa é o ataque ao carro, onde a câmera entra no veículo, acompanha o desespero dos personagens de dentro, e é arrastada para fora em meio a um tiroteio e explosões. É uma aula de tensão e mise-en-scène, que influenciou profundamente o estilo de filmes como 1917 e a franquia John Wick.
Nota IMDb: 7.9/10
6. Desejo e Reparação (2007)
Diretor(a): Joe Wright
A história acompanha as vidas de três jovens ingleses — Cecilia, Robbie e Briony — cujos destinos são tragicamente alterados por uma mentira contada pela irmã mais nova de Cecilia. Anos se passam, e a culpa e o desejo de reparação assombram Briony durante a Segunda Guerra Mundial.
Destaque: Assim como Filhos da Esperança, este filme possui uma cena específica que entra para a história. A tomada de cinco minutos na praia de Dunkerque é um retrato desolador da guerra. A câmera sobrevoa a paisagem caótica, capturando soldados feridos, cavalos sendo sacrificados, e um carrossel (ironicamente) tocando ao fundo. É um plano que condensa todo o horror e a melancolia do conflito em uma única, longa e ininterrupta respiração.
Nota IMDb: 7.8/10
7. O Regresso (2015)
Diretor(a): Alejandro G. Iñárritu
No século XIX, Hugh Glass (Leonardo DiCaprio), um explorador e caçador, é atacado por um urso e deixado para morto por membros de sua própria equipe. Contra tudo e todos, ele usa a força da natureza e sua vontade de vingança para percorrer uma longa e hostil jornada de volta à civilização.
Destaque: Embora não seja um filme de plano-sequência contínuo, O Regresso é uma obra-prima do uso de longas tomadas para amplificar a brutalidade. A cena do ataque do urso, filmada em um plano-sequência angustiante, é um exemplo visceral de como a técnica pode aproximar o espectador da dor física do personagem. A câmera de Emmanuel Lubezki (novamente ele!) nos coloca ali, no chão, sentindo cada golpe e cada mordida, sem alívio ou fuga.
Nota IMDb: 8.0/10
8. Victoria (2015)
Diretor(a): Sebastian Schipper
Victoria, uma jovem espanhola em Berlim, conhece um grupo de rapazes ao sair de uma balada. O que parecia ser uma noite despretensiosa se transforma em uma aventura perigosa quando eles a convidam para participar de um “favor” que os leva às profundezas do submundo criminal da cidade.
Destaque: Ao lado de Arca Russa, Victoria é um dos poucos representantes do “one-take” real. Filmado em uma única tomada de 140 minutos, o filme acompanha a personagem-título em tempo real, das 4h30 da manhã até o amanhecer. A atriz Laia Costa e o restante do elenco tiveram que acertar tudo na primeira vez — diálogos, marcações, expressões — enquanto a câmera os seguia por ruas, elevadores e clubes noturnos de Berlim. O resultado é uma experiência crua, íntima e eletrizante, como se fosse um documentário de ficção.
Nota IMDb: 7.6/10
9. Gravidade (2013)
Diretor(a): Alfonso Cuarón
Durante um passeio espacial de rotina, a dra. Ryan Stone (Sandra Bullock) e o astronauta Matt Kowalski (George Clooney) são atingidos por detritos e se veem à deriva no espaço, lutando pela sobrevivência em meio à imensidão silenciosa e hostil do universo.
Destaque: Cuarón leva a imersão do plano-sequência a um novo patamar: o espaço sideral. O filme abre com um plano de 17 minutos sem cortes aparentes, que estabelece a vastidão do cenário e o isolamento dos personagens com uma beleza aterradora. A câmera flutua, entra e sai dos capacetes, e nos dá a vertigem de estar perdido na escuridão. Os cortes são disfarçados com maestria, muitas vezes durante a passagem de um objeto ou a mudança brusca de iluminação, reforçando a sensação de estar “preso” naquela situação com os astronautas.
Nota IMDb: 7.7/10
10. Elefante (2003)
Diretor(a): Gus Van Sant
O filme acompanha o cotidiano aparentemente banal de vários estudantes de uma escola secundária nos Estados Unidos, até que um trágico e violento evento interrompe a rotina do local.
Destaque: Longe do virtuosismo espetacular de 1917 ou Birdman, Gus Van Sant usa o plano-sequência em Elefante de forma contemplativa e quase assombrada. A câmera segue os personagens pelas costas, em longos corredores, registrando seus passos e conversas corriqueiras. Essa escolha cria uma atmosfera de realismo documental e de angústia latente. O tempo “real” se estica, nos forçando a observar os pequenos detalhes e a refletir sobre a fragilidade da vida antes que o horror (que também é mostrado em planos longos e frios) se abata sobre ela.
Nota IMDb: 7.1/10
A Sinfonia Invisível da Câmera
Mais do que uma simples lista de “melhores momentos”, o que esses filmes nos mostram é a busca incessante do cinema por uma linguagem que nos conecte de forma mais visceral com a história. O plano-sequência é a vitória da coreografia sobre o caos, do planejamento milimétrico sobre o improviso (embora este também tenha seu espaço).
Seja na tensão sufocante das trincheiras de 1917, na loucura dos bastidores do teatro em Birdman ou na solidão do espaço em Gravidade, a ausência de cortes visíveis nos obriga a encarar a realidade dos personagens sem piscar. É uma técnica que homenageia os primórdios do cinema, quando os irmãos Lumière mostravam um trem chegando na estação em um único plano, e ao mesmo tempo, empurra a tecnologia e a criatividade humana para o futuro. Da próxima vez que se sentir completamente imerso em um filme, preste atenção: talvez você esteja sendo conduzido pela mão invisível e poderosa da arte do plano-sequência.